“Sono alla costante ricerca di un linguaggio musicale che non sia più quello dell’avanguardia, ma allo stesso tempo non torni indietro al XIX secolo.” Con questa frase pronunciata nel 2002 in una famosa intervista (1), György Ligeti conferma, o forse “sdogana”, un percorso musicale nuovo, in verità, già intrapreso prima da diversi compositori. Ovviamente non si tratta di avversione nei confronti dell’avanguardia, piuttosto, invece, di un possibile superamento di alcune barriere attraverso l’apertura culturale, inclusiva verso le differenze sonore del mondo musicale contemporaneo e storicizzato.

In questa programmazione cerchiamo il superamento di quelle certezze che elevarono alcuni modelli formali, matematici, ideologici e dogmatici, a unici aspetti fondanti della composizione di un pezzo. Quei modelli dovevano essere quasi l’unico aspetto di cui tener conto, spesso senza includere nessuna problematica in senso estetico o di reale riuscita della composizione.

Parafrasando lo scultore italo-iraniano Bizhan Bassiri che dice: “Il problema dell’arte visiva è visivo” (2), noi qui diremo che il problema della musica è quello sonoro. Il compositore d’oggi dovrebbe navigare in libertà e consapevolezza, respingendo ogni tendenza passatista e impiegare tutte le proprie energie nella ricerca di una musica che plasmi e unisca l’enorme vocabolario contemporaneo e storico.

Secondo me, le sorprese più significative di questi anni arrivano da compositori di grande esperienza, che hanno saputo allontanarsi dalle scuole, dai dogmi, che hanno saputo elaborare i suoni provenienti da ogni parte del mondo, solo con disincantato amore per la Musica.

La collaborazione con sei importanti Conservatori italiani, permette all’O.S.A. e a MusAnima, di essere presenti sul territorio nazionale come un osservatorio culturale, come possibilità imperdibile per i giovani autori delle classi di composizione, come culmine di un obiettivo fondamentale: quello di distribuire nella maniera più ampia e naturale possibile, la conoscenza della storia e dell’evoluzione della Musica.

L’edizione di MusAnima 2019 si svolgerà in 11 concerti su sei città, con 17 prime assolute, tutte per orchestra sinfonica.

Oltre che in Abruzzo (L’Aquila, Pescara, Teramo), l’O.S.A. e MusAnima saranno presenti anche nelle Marche (Fermo), e nel Lazio (Latina e Frosinone).

Questa caratteristica itinerante e collaborativa rende questo Festival unico in Italia.

Quattro le nuove commissioni affidate dall’OSA a compositori che hanno già consolidato il loro percorso artistico: Fabrizio De Rossi Re, Paolo Rosato, Carla Magnan e Edgar Alandia. I restanti compositori, tutti giovanissimi, provengono dai sei Conservatori coinvolti.

La web radio RadiostArt, che fiancheggia il festival con interviste, discussioni ed estratti dei concerti è, di fatto, un supporto importante e sempre in crescita per quanto riguarda la diffusione. RadiostArt ha infatti ha consolidato la propria presenza in rete, anche internazionalmente, con ascolti impressionanti. La trasmissione Clocks and Clouds, da me curata e condotta, dedicata soprattutto alla musica contemporanea, raccoglie interesse, oltre che in Italia, anche in nord e centro Europa, America del nord e del Sud, Oriente e Medio Oriente.

Stefano Taglietti

Pescara, 27 Febbraio 2019

(1) György Ligeti a colloquio con Eckhard Roelcke

   “Lei Sogna a Colori?” Ed. ALET 2003.

(2) Il Pensiero Magmatico (1984-2016). Bizhan Bassiri (Teheran 1954).

Prima esecuzione assoluta

Prima esecuzione assoluta

“Ogni uomo ha dentro di sé pulsioni, desideri, domande che sono in contrasto con la propria vera natura. Quesiti esistenziali che ci poniamo ogni giorno, tentazioni e voglie che non ci apparterrebbero, ma ci sono. L'uomo è quindi in perenne conflitto con se stesso. Su questo conflitto interiore nasce il brano. La melodia e l’armonia sono in forte contrasto tra loro, ma è un contrasto che si genera soltanto nel sovrapporsi delle due linee. Prese da sole, melodia e armonia suonano semplici, quasi banali, così come il nostro vivere di tutti i giorni può sembrare. È solo quando nasce quella pulsione interna ribelle che tutto diventa davvero interessante. È solo quando melodia e armonia si intrecciano che possiamo avere un’idea reale di ciò che il brano vuole raccontare: la dualità intrinseca in ogni essere umano”.

MANUELE LA PUCA

Nasce a Livorno nel 1987. Qui inizia in età prescolare un avvicinamento alla musica. Studia Pianoforte e Canto classico; nel 2014 si iscrive a Roma al corso di Composizione del Saint Louis Music College con il M° Gianluca Podio dove nel 2017 consegue il Diploma di I Livello. Nello stesso anno si iscrive a Frosinone al Conservatorio Statale di Musica “L. Refice” di Frosinone, dove studia Composizione e Orchestrazione con il M° Luca Salvadori, per conseguire il Diploma di II Livello. Insegna Teoria della Musica e Ear Training presso la Voice Evolution System di Andrea Bianchino e presso il Saint Louis Music College. Ha scritto diverse canzoni su commissione, pubblicate dalla Cassandra Produzioni SRLS ed ha realizzato e pubblicato il libro Teoria Musicale Popular, un manuale di teoria e armonia del mondo della musica pop.

Prima esecuzione assoluta

Revelation è il tentativo di esprimere da punti di partenza comuni, quattro stati d’animo secondo prospettive differenti. Inquietudine, stupore, rassegnazione, rabbia. Non esistono sensazioni pure isolate, ma seppur ingabbiate teoricamente in sezioni diverse della forma, così come della nostra personalità, coesistono sempre nello stesso momento. Nel lavorio delle trame sonore, si individuano versioni alternative del medesimo materiale tematico, cercando di raccogliere similitudini e incroci melodici che possano testimoniare in qualche modo la sensazione di smarrimento di fronte alla realtà del proprio frammentario percorso.

STEFANO BEFACCHIA
Nato a Teramo, inizia gli studi musicali a 12 anni sotto la guida di Tatjana Vratonjic fino a conseguire il Diploma in Pianoforte nel 2012. Frequenta l’Università LUISS di Roma, laureandosi in Scienze Politiche nel 2013 con il massimo dei voti e la lode. Studia il repertorio operistico e di musica vocale da camera con i Maestri Paolo Marconi e Guido Galterio, ottenendo il Biennio di II Livello in Accompagnamento pianistico presso l’Istituto Statale di Studi Musicali “G. Braga” di Teramo. È stato pianista accompagnatore in vari concorsi di esecuzione musicale, produzioni liriche e corali, corsi di perfezionamento e masterclasses (Istituto “G. Spontini” di Ascoli Piceno, Julia Jazz – Orchestra Contemporanea di Teramo, Ateneo Internazionale della Lirica di Sulmona). Nel 2017 ha orchestrato alcune liriche di Gaetano Braga in occasione del “Concerto per la Ricostruzione” tenutosi alla Camera dei Deputati in dicembre e diretto da Simone Genuini. Attualmente studia Musica elettronica con Mario Salvucci.

Prima esecuzione assoluta

“You've got to have è un omaggio al jazzista statunitense Pharoah Sanders (Little Rock, 1940) e alla sua musica, vitale e impulsiva. Nel mio brano ho voluto riflettere sul senso delle sue scelte, che portano talvolta alla semplicità e alla brutalità, in altri casi a un formicolio rarefatto e sovrarticolato, in un jazz con sfumature fusion e influenze dalla musica africana. Sanders intende la propria attività musicale come un'attività politica, che mira a sollecitare un cambiamento nel mondo: in You've got to have - lavoro su alcuni materiali di Pharoah Sanders cercando di portarne alla luce la forza dirompente ma anche la dolorosa fragilità. L'orchestra quindi dialoga coi materiali, nascondendoli, negandoli a volte, altre volte presentandoli in tutta la loro franchezza”.

DARIO PELUSO
Dopo gli studi di pianoforte sotto la guida del M° Lamberto Desideri si è dedicato alla composizione. Il suo brano Poesia cioè natura, su una poesia di P.P. Pasolini, ha vinto l'edizione 2017 del Premio Nazionale delle Arti nella Cat. A - Composizione ed è stato eseguito presso il Teatro Comunale di Bologna. Il brano è stato anche selezionato dalla Società Italiana di Musica Contemporanea nell'ambito della call for scores "Monteverdi e la musica contemporanea" ed eseguito presso lo Spazio Tadini a Milano. Nel 2016 ha partecipato alla scrittura collettiva, coordinata dal M° Francesco Antonioni, di Caligola, un'opera in un atto su libretto di A. Camus andata in scena al Teatro Moderno di Latina. È coordinatore del progetto "Indagini Metaculturali", l'edizione integrale delle opere di didattica e filosofia della cultura di Boris Porena. Ha studiato con Edgar Alandia a Perugia, con Francesco Antonioni a Latina dove è attualmente iscritto al biennio nella classe del M° Paolo Rotili, e ha frequentato il Corso di alto perfezionamento del M° Fabio Vacchi presso la Scuola di Musica di Fiesole; lavora come copyeditor freelance per clienti come Casa Ricordi, Breitkopf & Härtel Verlag, Bärenreiter Verlag, Bim Editions.

Prima esecuzione assoluta

Composizione per orchestra nata dal desiderio e dalla necessità dell’autore di confrontarsi con una forma musicale quale è quella sinfonica, profondamente radicata nella tradizione musicale occidentale e codificata nell’arco dei secoli in una precisa struttura formale. All’interno di una architettura musicale ben definita, si instaura una “narrazione sonora” che dai tratti scherzosi e canzonatori dell’inizio gradualmente cede il passo ad atmosfere più sognanti e malinconiche, come anche a inaspettati momenti di liricità. Molti degli elementi musicali con cui il brano è costruito sono attinti dalla musica balcanica, e questo è maggiormente evidente nel “secondo tema”, sul quale gradualmente si sovrappone, dapprima impercettibilmente e via via crescendo d’intensità, una melodia popolare rumena (Melc codobelc) che, nella sua essenziale e semplicissima forma, costituita dalla ripetizione di due sole note ad intervallo di tono, sembra suggerire l’idea di una purezza quasi archetipica degli elementi sonori.

ANDREI OCTAVIAN POPESCU
Comincia a suonare il violino all'età di 6 anni con il M° J. Hamza e successivamente con il proprio padre; a 11 anni viene ammesso al Conservatorio Statale di Musica ''A. Casella'' nella classe di violino del M° F. Leofreddi e di pianoforte complementare del M° G. Nenna. Sono di questo periodo le prime composizioni per piano e una serie di brevi composizioni cameristiche, eseguite queste dai bambini della Scuola d'Archi OSA nei concerti di fine anno. Si diploma in Violino nel 1998 e si laurea successivamente in Ingegneria Edile-Architettura (Università degli studi dell’Aquila) con il massimo dei voti, sviluppando come tesi il progetto architettonico di un auditorium per la musica sinfonica. Ha collaborato come violinista con diversi gruppi strumentali, tra cui gli “Archi Del Cherubino”, l’Orchestra MoviMus, “l’Orchestra da Camera Aquilana” e l’Orchestra Giovanile Abruzzese. Dal 2014 studia composizione presso il Conservatorio “A. Casella” dell’Aquila, nella classe del M° M. Della Sciucca. Attualmente è iscritto al terzo anno del Triennio Accademico. Alcune sue composizioni sono state eseguite sia in Italia che all’estero, tra queste: Giochi Stregati per quartetto d’archi (Irlanda, 2016), Lieduri Romanesti per soprano e piano (Bucarest 2017, rassegna Internazionale di Musica Contemporanea Meridian). Nel 2015 il suo brano 1 1 2 3 5 8 13… per bayan e quartetto d’archi viene selezionato nell’ambito di una categoria del PIF 2015 di Castelfidardo e qui eseguito (Derazey String Quartet of London Royal Academy, M. Di Giambattista). Nel 2016 vince il prestigioso 4th International Competition of Sacred Music Composition Papa Benedetto XVI con il brano Misericordia per mezzosoprano, violino e pianoforte, eseguito in prima esecuzione presso la Sala Accademica del Pontificio Istituto di Musica Sacra in Roma. Alcuni dei suoi lavori sono pubblicati con la casa editrice Da Vinci Edition (Osaka).

Prima esecuzione assoluta

Il brano The Red Plane è la prosecuzione di una ricerca musicale basata sull’utilizzo di tessiture armoniche complesse che vengono mitigate all’ascolto da linee melodiche, al contrario, molto immediate. Una piccola cellula melodica, presente in tutti i momenti della composizione - cambiando di volta in volta forma e funzione - è il filo conduttore che unisce tutto il percorso musicale proposto. La riproposizione del tema principale anche alla fine del brano tende, in maniera voluta, a creare parallelismi tra questa scrittura, organico e stile alla “semplice” forma canzone.

Prima esecuzione assoluta

“Tribute to Aaron Copland è un omaggio musicale al compositore americano Aaron Copland (1900-1990), una delle figure rappresentative del Novecento. Compositore sapiente di formazione europea, nel suo intento di creare un senso musicale nazionale americano con la sua musica, spesso considerata manierista o troppo filmica, oltre agli elementi innovativi nel campo armonico non ha tralasciato mai l’elemento narrativo del discorso musicale. Per questo motivo il brano fa riferimento alle musiche del noto balletto Appalachian Spring, da cui è tratta una citazione. In una realtà come quella di oggi, nella quale si percepisce il bisogno di ritrovare umanità e quel qualcosa che ci differisce dalle macchine, sempre più presenti nella nostra quotidianità, la contemplazione della natura e lo stupore della bellezza del nostro mondo mi ha portato a realizzare questa partitura.

Anche se può sembrare un atteggiamento anacronistico, troppo romantico o addirittura banale, il mio nasce dall’esigenza di volersi esprimere liberamente attraverso la forma ed il codice musicale che si preferisce, e da questo nasce il mio rapporto con la musica di Copland”.

MICHELE DI FILIPPO

Giovane compositore chitarrista, nella sua breve ma prolifica esperienza, iniziata nel 2009, ha avuto modo di studiare e perfezionarsi con didatti del mondo chitarristico, distinguendosi in concorsi nazionali e collaborando con orchestre, associazioni concertistiche, festival internazionali, oltre ad aver effettuato registrazioni presso la Radio Vaticana. Consegue il Diploma in Chitarra con lode presso il Conservatorio Statale di Musica “L. Refice" di Frosinone nel 2017. Presto si interessa alla scrittura e incide due dischi di suoi brani per chitarra, Il Suono dell’Anima (2011) ed Il Viaggio (2013); con il brano Crossroad viene premiato al Concorso Nazionale “Giovani Musici” nella sezione Composizione ad uso didattico nelle scuole medie ad indirizzo musicale.

Intraprende lo studio della composizione e nel luglio del 2017 consegue il Diploma Accademico di I livello in Composizione per Musica da Film presso il Saint Louis College of Music di Roma sotto la guida dei maestri Gianluca Podio, Adriano Melchiorre, Alessandro Cusatelli, Silvio Relandini. Partecipa con il Saint Louis College of Music a diversi concerti, dirigendo le proprie composizioni per orchestra all’Auditorium Parco della Musica ed al Teatro Eliseo di Roma. In veste di direttore musicale partecipa alle rappresentazioni di due opere contemporanee dei compositori Andrea Rotondi e Cesare Marinacci, eseguite con diverse repliche presso il Conservatorio di Frosinone e il Teatro dei Documenti di Roma, cast e regia degli allievi dello stesso Conservatorio. Nel 2015  pubblica Cinque Studi da concerto per chitarra per l’editore Sinfonica, editore con cui collabora attualmente. È iscritto al secondo anno del Biennio Accademico di II livello sotto la guida del M° Antonio D’Antò presso il Conservatorio Statale di Musica “L. Refice” di Frosinone. 

Prima esecuzione assoluta

“Nella ricerca continua di un proprio linguaggio, di un suono, di un timbro, la vita che viviamo è sempre la più grande fonte di ispirazione, ci sono attimi e momenti importanti che segnano, e fan cambiare il modo di percepire e vedere le cose.

Ho avuto la fortuna di imparare che la Composizione è come un gioco, fatto di piccole regole e pretesti, e proprio dalla trasposizione in Musica di questi momenti di vita, come un gioco col quale divertirsi, nasce Our Life Moving, materiale sonoro in movimento continuo, materiale che deve la sua genesi a vecchi appunti (di 4 anni fa) ritrovati per caso dopo un faticoso trasloco.

Il motore di questo materiale sonoro in movimento continuo, le sue caratterizzazioni timbriche/orchestrali e melodiche, le dinamiche e il modo in cui esso nasce e si evolve, sono sì le esperienze di vita di questi ultimi 4 anni, ma soprattutto le mie due compagne di vita, le quali hanno scandito il tempo con andamenti da rilassanti a frenetici e colorato in infiniti modi le mie giornate senza mai fermarsi”.

EDUARDO ROMANO

Nasce a Napoli nel 1981. Muove i primi passi nella musica leggera-pop da autodidatta.

Inizialmente studia pianoforte e composizione privatamente, poi nel 2008 si iscrive al corso di Composizione presso il Conservatorio Statale di Musica “L. D’Annunzio” di Pescara con il M° Fabio Cellini con il quale comincia il lungo e gratificante percorso di studi del vecchio ordinamento che lo porta a conseguire il diploma nel 2017.

Negli stessi anni frequenta corsi, master ed compie esperienze di vario genere che spaziano dalla musica applicata (col M° Antonio Genovino), all’ambito teatrale (collabora con la compagnia “Cortile Gomez”), al jazz (nel 2016 partecipa al concorso ISMEZ col M° Mike Applebaum presentando il brano Before awakening), per arrivare alla musica contemporanea nel 2018 partecipando alla prima edizione di MusAnima – crocevia della musica e cultura contemporanea – con il brano Cause , eseguito dall’Orchestra Sinfonica Abruzzese diretta dal M° Marco Moresco.

Attualmente frequenta il biennio superiore di Composizione presso il Conservatorio di Pescara, con il M° Fabio Cellini.