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Il rapporto tra jazz e musica classica europea è uno dei temi più dibattuti tra storici, critici e appassionati, ed è ancora oggi oggetto di incomprensioni, visioni storiche distorte e terreno di scontro ideologico. In verità di tratta di una relazione complessa, a tratti contraddittoria, una sorta di incontro-scontro tra culture che si nutre tanto di diffidenze quanto di scambi autentici e fecondi. Di certo esistono delle difficoltà a conciliare linguaggi di provenienza storia così diversa, ma esistono anche molti elementi compatibili che consentono una feconda mescolanza di idee.
Nel mondo del jazz è stato il compositore e pianista afroamericano John Lewis a produrre le opere più belle e importanti. In particolare con il suo Modern Jazz Quartet, tra la metà degli anni Cinquanta e gli anni Settanta, Lewis ha risolto problemi musicali impervi, come la creazione di fughe jazz (anche triple, come Three Windows), strutture a sviluppo con improvvisazione, apertura della forma, strutture tonali ispirate al nome “Bach” e così via, salvaguardando lo swing e un intenso blues feeling, con risultati di eccezionale valore musicale.
La nuova produzione di MetJazz e della Camerata Strumentale Città di Prato parte da un progetto del compositore e arrangiatore Michele Corcella proprio con lo scopo di esaltare la ricchezza di quella musica. Corcella ha anzitutto aggirato ogni riferimento al Modern Jazz Quartet, ad esempio evitando l’uso del vibrafono, per proiettare la musica su un piano più universale, meno legato all’esperienza da cui è nata. Inoltre ha limitato il ricorso dell’improvvisazione jazz al trio pianoforte, contrabbasso e batteria; e ha disegnato gli arrangiamenti in funzione dello stile pianistico di Enrico Pieranunzi, uno dei maggiori pianisti europei di jazz, e uno dei pochi al mondo che per storia e vocazione oggi è in grado di rileggere in modo personale l’eredità di John Lewis, che richiede competenze in diversi linguaggi, una peculiare sensibilità stilistica e una notevole apertura culturale.
Il repertorio abbraccia l’ampio spettro espressivo delle composizioni di John Lewis, in particolare le pagine ispirate ala cultura rinascimentale e barocca tra Francia e Italia, composte tra gli anni Cinquanta e Settanta. Ci sono la celebre Django, un tombeau in omaggio a Django Reinhardt, in cui il grande chitarrista gitano viene celebrato come un aristocratico della cultura francese; il dolente e dinamico Blues in A Minor, parte di una serie di blues nelle tonalità del nome BACH (Sib, La, Do, Si), estratti di colonne sonore per il cinema (l’incantevole valzer Skating in Central Park), l’omaggio alle città italiane (la ballad Milano, ma Lewis scrisse anche un brano intitolato Trieste); estratti dalla suite “The Comedy”, dedicata alla commedia dell’arte, di cui qui si ascoltano Spanish Steps (dedicato a Piazza di Spagna) e Piazza Navona; e naturalmente le fughe, tra cui Concorde e Vendôme (ispirate a due celebri piazze parigine) e Three Windows, una fuga tripla ispirata ispirata alle luci e ai colori di Venezia, capolavoro che era parte della colonna sonora di un film dimenticato. Ognuna di queste fughe è preceduta da un preludio scritto appositamente da Corcella.
Tutti questi riferimenti ambientali e culturali non sono semplici descrizioni esterne alla musica, ma si sostanziano nella scrittura di Lewis in precise forme e gesti musicali, spesso di carattere descrittivo o sottilmente allusivo. Ad esempio: Django si svolge su una forma tripartita, di chiara derivazione europea, che si apre e chiude con un ritmo tipico del genere funebre francese; il valzer di Skating in Central Park galleggia su un piccolo gesto sfuggente, sincopato, che simula un dolce pattinare, spensierato e malinconico; le piccole “scale” musicali di Piazza di Spagna, che salgono e scendono mescolando blues e valzer, alludono a quelle reali che sovrastano la piazza; le “tre finestre” di Three Windows sono altrettanti temi legati a luoghi e personaggi veneziani che si intrecciano in una scrittura di rara complessità e trasparenza. Nell’originale Blues in A Minor il basso continuo barocco diventa la traccia su cui si svolge un complesso blues con cambi di tonalità, metro, ritmo.
E poi ci sono le pagine che esulano da questi ambiti, come la danza modale, e trascinante del vicino oriente di The Jasmin Tree o That Slavic Smile, pensato da Lewis per la sua consorte slovena.
Dunque la musica di Lewis si tiene in equilibrio tra due mondi simbolici, quello jazz e quello classico, intrecciati da una fitta rete di gesti, forme, sviluppi che le due tradizioni musicali hanno in comune.
Questa inedita fusione tra jazz, musica classica europea, con tocchi di world music, nei primi anni Sessanta fu ribattezzata da Gunther Schuller “third stream”, ovvero musica che fondeva la prima corrente (quella classica), con la seconda (il jazz) per ottenerne una terza, la “third stream”, appunto. Quell’etichetta fu molto discussa ed ebbe in definitiva una fortuna limitata. Ma Michele Corcella è ben consapevole dei limiti e delle potenzialità di queste ibridazioni e nell’affrontare i capolavori di John Lewis ha sempre tenuto presente quanto scriveva Schuller a proposito della “third stream”:
Non è jazz con il contributo di archi
Non è jazz suonato con strumenti "classici"
Non è musica classica suonata da jazzisti
Non è un innestare Ravel in mezzo a gli accordi del be-bop e nemmeno il contrario
Non è jazz in forma di fuga.
Non è una fuga suonata da jazzisti
Non è un modo per distruggere il jazz o la musica classica; è semplicemente un'altra opzione tra le tante per i musicisti creativi di oggi.
E, aggiungiamo noi, un altro modo per ricordarci che nella grande musica, di qualsiasi provenienza sia, i confini non esistono.
Pianista, compositore, arrangiatore Pieranunzi è tra i più noti ed apprezzati protagonisti della scena jazzistica internazionale. Ha registrato più di 80 CD a suo nome spaziando dal piano solo al quintetto e collaborando, in concerto o in studio d’incisione, con Chet Baker, Lee Konitz, Paul Motian, Charlie Haden, Chris Potter, Marc Johnson, Joey Baron.
Si è esibito, oltre che sui palcoscenici dei principali paesi europei, in Sud America Giappone, e, numerose volte, negli Stati Uniti. È l’unico musicista italiano ad aver suonato e registrato più volte a suo nome nello storico “Village Vanguard” di New York.
Tra i numerosi riconoscimenti per la sua attività musicale le tre affermazioni (1989, 2003, 2008) come miglior musicista italiano nell’annuale referendum “Top Jazz” della rivista Musica Jazz, il “Django d’Or” francese (1997) come miglior musicista europeo, l’Echo Award 2014 in Germania come “Best International Piano Player” e il premio “Una vita per il jazz” assegnatogli ancora nel 2014 dalla rivista Musica Jazz.
Allo studio ed analisi del suo originale linguaggio musicale sono state dedicate, in Italia e all’estero, numerose tesi di laurea o di dottorato.
Parecchie sue composizioni sono diventate veri e propri standard suonati e registrati da musicisti di tutto il mondo e sono state pubblicate nei prestigiosi New Real Book statunitensi. Tra queste Night Bird, Don’t forget the poet, Les Amants, Fellini’s Waltz, Je ne sais quoi, Trasnoche, Coralie.
E’ laureato al DAMS di Bologna con una tesi sulle colonne sonore di Duke Ellington e ha conseguito i diplomi accademici di primo e secondo livello in Musica Jazz e Musica ad indirizzo multimediale presso il conservatorio di Bologna. Ha inoltre studiato direzione d’orchestra presso l’Accademia Pianistica di Imola.
E’ stato pluripremiato in concorsi nazionali e internazionali di composizione e arrangiamento per big band e orchestra sinfonica quali: Eddie Lang, 2 Agosto, Jazzverk, Bargajazz, Scrivere in Jazz, SIAE Libera il Jazz, European Composers Competition.
Ha collaborato come compositore, arrangiatore o direttore d’orchestra con musicisti del calibro di Kenny Wheeler, John Taylor, David Liebman, Norma Winstone, Anders Jormin, Glauco Venier, Enrico Pieranunzi, Diana Torto, Daniele Scannapieco, Alfonso Deidda, Rosario Giuliani, Gianluigi Trovesi, Maurizio Giammarco, Maria Pia De Vito, WDR Big
Band, Orchestra Nazionale Jazz Giovani Talenti e, in ambito classico, con Mario Brunello, l’Altenberg Trio Wien e l’Orchestra del Teatro Comunale di Bologna e la Camerata Strumentale Città di Prato.
Considerato uno dei maggiori esperti mondiali sulla musica di Duke Ellington, è stato invitato come relatore alle ultime due edizioni dell’International Duke Ellington Conference tenutesi ad Amsterdam nel 2014 e a New York nel 2016, e all’International Jazz Composers Symposium svoltosi nel 2017 a Tampa, in Florida e nel 2019 a Greeley
Colorado.
Attualmente insegna composizione jazz presso il Conservatorio Antonio Buzzolla di Adria e il Conservatorio G.B. Martini di Bologna.
Roma, 1965. Inizialmente allievo di Sylvano Bussotti, è stato successivamente molto importante per la sua formazione l’incontro con Hans Werner Henze.
Negli anni ha costruito un catalogo che supera i 150 lavori con organici orchestrali, opere di teatro musicale, musica da camera, per coro, includendo le nuove tecnologie digitali e strumentazioni elettroacustiche.
Ha ricevuto commissioni da: Hans Werner Henze; La Biennale di Venezia 2007-2012; Biennale di Venezia sez.Architettura 2008; Accademia Nazionale di Santa Cecilia; Accademia di Francia- Villa medici Roma; Rai Nuova Musica-Orchestra Sinfonica Nazionale della RAI; Gerd Albrecht Deutsche Pavillon- expò Hannover 2000; I Solisti Aquilani; Centro Ricerche Musicali, Roma; Spazio Musica, Cagliari; Cantiere Internazionale d'Arte di Montepulciano; Orch. Reg. di Roma e del Lazio; ContempoArtEnsemble; Sentieri Selvaggi; Orchestra Sinfonica di Sanremo; Istituzione Sinfonica Abruzzese; New Made Ensemble; Blow Up percussion Ensemble; Icarus Ensemble; ensemble Suono Giallo; Festival delle Nazioni di Città di Castello; Musica e Realtà – Milano; Festival Sommer im Altmhltal, Ingolstadt, Germania.
La sua Musica è stata inoltre eseguita presso: Berlin Philharmonie; Opera di Norimberga; Festival dei Due Mondi, Spoleto; Podewil- Berlin; Città Universitaria di Parigi, Salle Vitali; Teatro La MaMa di New York; Freshno Opera Festival California-U.S.A; Cincinnati University; Festival Strawinky Krakaw; Ravenna Festival; Società dei Concerti B. Barattelli; Università del Nevada - Las Vegas; Festival di Nuova Consonanza-Roma; NO GO Festival, Roma e in altri importanti festival internazionali di Musica Contemporanea a Praga, Kiev, Lviv, e stagioni teatrali presso il Teatro Comunale di Bologna, Ravello Festival, Angelica - Bologna e presso numerose altre istituzioni in Europa, Medio Oriente, U.S.A e sud America.
Fra i suoi lavori più significativi: After Pop Suite per ens. elettroacustico; i concerti scenici La divina Devastazione, Palingenesi, Il Pensiero Magmatico (composto con Alessandro Cipriani) scritti in collaborazione con l’artista visivo e autore dei testi Bizhan Bassiri; Memoirs of Elagabalus opera su libretto in inglese di Fabio Ciolli; Idroscalo Pasolini ( 2015) opera in un atto e sette quadri su libretto e regia di Carlo Pasquini commissione per il doppio quarantennale del Cantiere Internazionale d'Arte di Montepulciano e quello dell'assassinio di Pier Paolo Pasolini, eseguita dall'ensemble del Royal Northern College of Music Manchester diretto da Marco Angius; “ Concerto Triplo per chitarra elettrica, pianoforte, percussioni, violino concertante e orchestra d'archi” diretto da Marco Angius commissionato da I Solisti Aquilani per i 50 anni (2017) dalla loro fondazione.
Gran parte delle sue partiture sono edite da Rai Com, ma anche da Chester Music London e altri.
E' attivo anche come pianista, interprete della propria musica e in progetti di improvvisazione, in solo e in gruppo. Ha collaborato con Evan Parker, Dom Um Romao, Karl Potter, Geoff Warren, Giancarlo Schiaffini, Walter Prati, Gianni Trovalusci.
Dal 2017 è cofondatore della Web Radio RadiostArt e conduce, attraverso ascolti, interviste e discussioni in diretta, la trasmissione Clocks and Clouds, spazio radiofonico interamente dedicato alla musica e ai linguaggi artistici internazionali contemporanei.
Dal 2018 è stato nominato dall'Orchestra Sinfonica Abruzzese, coordinatore del festival di musica contemporanea MusAnima (Crocevia della musica e cultura contemporanea).
Insegna in vari conservatori dal 1996, vincitore di concorso nel 2000, è docente titolare della cattedra di Elementi di Composizione per la Didattica della Musica. Attualmente è docente di Composizione e discipline compositive presso il Conservatorio Statale di Musica A.F.A.M. ( U. Giordano) di Foggia , sez staccata di Rodi Garganico.
“Sono alla costante ricerca di un linguaggio musicale che non sia più quello dell’avanguardia, ma allo stesso tempo non torni indietro al XIX secolo.” Con questa frase pronunciata nel 2002 in una famosa intervista (1), György Ligeti conferma, o forse “sdogana”, un percorso musicale nuovo, in verità, già intrapreso prima da diversi compositori. Ovviamente non si tratta di avversione nei confronti dell’avanguardia, piuttosto, invece, di un possibile superamento di alcune barriere attraverso l’apertura culturale, inclusiva verso le differenze sonore del mondo musicale contemporaneo e storicizzato.
In questa programmazione cerchiamo il superamento di quelle certezze che elevarono alcuni modelli formali, matematici, ideologici e dogmatici, a unici aspetti fondanti della composizione di un pezzo. Quei modelli dovevano essere quasi l’unico aspetto di cui tener conto, spesso senza includere nessuna problematica in senso estetico o di reale riuscita della composizione.
Parafrasando lo scultore italo-iraniano Bizhan Bassiri che dice: “Il problema dell’arte visiva è visivo” (2), noi qui diremo che il problema della musica è quello sonoro. Il compositore d’oggi dovrebbe navigare in libertà e consapevolezza, respingendo ogni tendenza passatista e impiegare tutte le proprie energie nella ricerca di una musica che plasmi e unisca l’enorme vocabolario contemporaneo e storico.
Secondo me, le sorprese più significative di questi anni arrivano da compositori di grande esperienza, che hanno saputo allontanarsi dalle scuole, dai dogmi, che hanno saputo elaborare i suoni provenienti da ogni parte del mondo, solo con disincantato amore per la Musica.
La collaborazione con sei importanti Conservatori italiani, permette all’O.S.A. e a MusAnima, di essere presenti sul territorio nazionale come un osservatorio culturale, come possibilità imperdibile per i giovani autori delle classi di composizione, come culmine di un obiettivo fondamentale: quello di distribuire nella maniera più ampia e naturale possibile, la conoscenza della storia e dell’evoluzione della Musica.
L’edizione di MusAnima 2019 si svolgerà in 11 concerti su sei città, con 17 prime assolute, tutte per orchestra sinfonica.
Oltre che in Abruzzo (L’Aquila, Pescara, Teramo), l’O.S.A. e MusAnima saranno presenti anche nelle Marche (Fermo), e nel Lazio (Latina e Frosinone).
Questa caratteristica itinerante e collaborativa rende questo Festival unico in Italia.
Quattro le nuove commissioni affidate dall’OSA a compositori che hanno già consolidato il loro percorso artistico: Fabrizio De Rossi Re, Paolo Rosato, Carla Magnan e Edgar Alandia. I restanti compositori, tutti giovanissimi, provengono dai sei Conservatori coinvolti.
La web radio RadiostArt, che fiancheggia il festival con interviste, discussioni ed estratti dei concerti è, di fatto, un supporto importante e sempre in crescita per quanto riguarda la diffusione. RadiostArt ha infatti ha consolidato la propria presenza in rete, anche internazionalmente, con ascolti impressionanti. La trasmissione Clocks and Clouds, da me curata e condotta, dedicata soprattutto alla musica contemporanea, raccoglie interesse, oltre che in Italia, anche in nord e centro Europa, America del nord e del Sud, Oriente e Medio Oriente.
Stefano Taglietti
Pescara, 27 Febbraio 2019
(1) György Ligeti a colloquio con Eckhard Roelcke
“Lei Sogna a Colori?” Ed. ALET 2003.
(2) Il Pensiero Magmatico (1984-2016). Bizhan Bassiri (Teheran 1954).
“Sono alla costante ricerca di un linguaggio musicale che non sia più quello dell’avanguardia, ma allo stesso tempo non torni indietro al XIX secolo.” Con questa frase pronunciata nel 2002 in una famosa intervista (1), György Ligeti conferma, o forse “sdogana”, un percorso musicale nuovo, in verità, già intrapreso prima da diversi compositori. Ovviamente non si tratta di avversione nei confronti dell’avanguardia, piuttosto, invece, di un possibile superamento di alcune barriere attraverso l’apertura culturale, inclusiva verso le differenze sonore del mondo musicale contemporaneo e storicizzato.
In questa programmazione cerchiamo il superamento di quelle certezze che elevarono alcuni modelli formali, matematici, ideologici e dogmatici, a unici aspetti fondanti della composizione di un pezzo. Quei modelli dovevano essere quasi l’unico aspetto di cui tener conto, spesso senza includere nessuna problematica in senso estetico o di reale riuscita della composizione.
Parafrasando lo scultore italo-iraniano Bizhan Bassiri che dice: “Il problema dell’arte visiva è visivo” (2), noi qui diremo che il problema della musica è quello sonoro. Il compositore d’oggi dovrebbe navigare in libertà e consapevolezza, respingendo ogni tendenza passatista e impiegare tutte le proprie energie nella ricerca di una musica che plasmi e unisca l’enorme vocabolario contemporaneo e storico.
Secondo me, le sorprese più significative di questi anni arrivano da compositori di grande esperienza, che hanno saputo allontanarsi dalle scuole, dai dogmi, che hanno saputo elaborare i suoni provenienti da ogni parte del mondo, solo con disincantato amore per la Musica.
La collaborazione con sei importanti Conservatori italiani, permette all’O.S.A. e a MusAnima, di essere presenti sul territorio nazionale come un osservatorio culturale, come possibilità imperdibile per i giovani autori delle classi di composizione, come culmine di un obiettivo fondamentale: quello di distribuire nella maniera più ampia e naturale possibile, la conoscenza della storia e dell’evoluzione della Musica.
L’edizione di MusAnima 2019 si svolgerà in 11 concerti su sei città, con 17 prime assolute, tutte per orchestra sinfonica.
Oltre che in Abruzzo (L’Aquila, Pescara, Teramo), l’O.S.A. e MusAnima saranno presenti anche nelle Marche (Fermo), e nel Lazio (Latina e Frosinone).
Questa caratteristica itinerante e collaborativa rende questo Festival unico in Italia.
Quattro le nuove commissioni affidate dall’OSA a compositori che hanno già consolidato il loro percorso artistico: Fabrizio De Rossi Re, Paolo Rosato, Carla Magnan e Edgar Alandia. I restanti compositori, tutti giovanissimi, provengono dai sei Conservatori coinvolti.
La web radio RadiostArt, che fiancheggia il festival con interviste, discussioni ed estratti dei concerti è, di fatto, un supporto importante e sempre in crescita per quanto riguarda la diffusione. RadiostArt ha infatti ha consolidato la propria presenza in rete, anche internazionalmente, con ascolti impressionanti. La trasmissione Clocks and Clouds, da me curata e condotta, dedicata soprattutto alla musica contemporanea, raccoglie interesse, oltre che in Italia, anche in nord e centro Europa, America del nord e del Sud, Oriente e Medio Oriente.
Stefano Taglietti
Pescara, 27 Febbraio 2019
(1) György Ligeti a colloquio con Eckhard Roelcke
“Lei Sogna a Colori?” Ed. ALET 2003.
(2) Il Pensiero Magmatico (1984-2016). Bizhan Bassiri (Teheran 1954).
Prima esecuzione assoluta
Prima esecuzione assoluta
“Ogni uomo ha dentro di sé pulsioni, desideri, domande che sono in contrasto con la propria vera natura. Quesiti esistenziali che ci poniamo ogni giorno, tentazioni e voglie che non ci apparterrebbero, ma ci sono. L'uomo è quindi in perenne conflitto con se stesso. Su questo conflitto interiore nasce il brano. La melodia e l’armonia sono in forte contrasto tra loro, ma è un contrasto che si genera soltanto nel sovrapporsi delle due linee. Prese da sole, melodia e armonia suonano semplici, quasi banali, così come il nostro vivere di tutti i giorni può sembrare. È solo quando nasce quella pulsione interna ribelle che tutto diventa davvero interessante. È solo quando melodia e armonia si intrecciano che possiamo avere un’idea reale di ciò che il brano vuole raccontare: la dualità intrinseca in ogni essere umano”.
MANUELE LA PUCA
Nasce a Livorno nel 1987. Qui inizia in età prescolare un avvicinamento alla musica. Studia Pianoforte e Canto classico; nel 2014 si iscrive a Roma al corso di Composizione del Saint Louis Music College con il M° Gianluca Podio dove nel 2017 consegue il Diploma di I Livello. Nello stesso anno si iscrive a Frosinone al Conservatorio Statale di Musica “L. Refice” di Frosinone, dove studia Composizione e Orchestrazione con il M° Luca Salvadori, per conseguire il Diploma di II Livello. Insegna Teoria della Musica e Ear Training presso la Voice Evolution System di Andrea Bianchino e presso il Saint Louis Music College. Ha scritto diverse canzoni su commissione, pubblicate dalla Cassandra Produzioni SRLS ed ha realizzato e pubblicato il libro Teoria Musicale Popular, un manuale di teoria e armonia del mondo della musica pop.
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Prima esecuzione assoluta
Revelation è il tentativo di esprimere da punti di partenza comuni, quattro stati d’animo secondo prospettive differenti. Inquietudine, stupore, rassegnazione, rabbia. Non esistono sensazioni pure isolate, ma seppur ingabbiate teoricamente in sezioni diverse della forma, così come della nostra personalità, coesistono sempre nello stesso momento. Nel lavorio delle trame sonore, si individuano versioni alternative del medesimo materiale tematico, cercando di raccogliere similitudini e incroci melodici che possano testimoniare in qualche modo la sensazione di smarrimento di fronte alla realtà del proprio frammentario percorso.
STEFANO BEFACCHIA
Nato a Teramo, inizia gli studi musicali a 12 anni sotto la guida di Tatjana Vratonjic fino a conseguire il Diploma in Pianoforte nel 2012. Frequenta l’Università LUISS di Roma, laureandosi in Scienze Politiche nel 2013 con il massimo dei voti e la lode. Studia il repertorio operistico e di musica vocale da camera con i Maestri Paolo Marconi e Guido Galterio, ottenendo il Biennio di II Livello in Accompagnamento pianistico presso l’Istituto Statale di Studi Musicali “G. Braga” di Teramo. È stato pianista accompagnatore in vari concorsi di esecuzione musicale, produzioni liriche e corali, corsi di perfezionamento e masterclasses (Istituto “G. Spontini” di Ascoli Piceno, Julia Jazz – Orchestra Contemporanea di Teramo, Ateneo Internazionale della Lirica di Sulmona). Nel 2017 ha orchestrato alcune liriche di Gaetano Braga in occasione del “Concerto per la Ricostruzione” tenutosi alla Camera dei Deputati in dicembre e diretto da Simone Genuini. Attualmente studia Musica elettronica con Mario Salvucci.
Prima esecuzione assoluta
“You've got to have è un omaggio al jazzista statunitense Pharoah Sanders (Little Rock, 1940) e alla sua musica, vitale e impulsiva. Nel mio brano ho voluto riflettere sul senso delle sue scelte, che portano talvolta alla semplicità e alla brutalità, in altri casi a un formicolio rarefatto e sovrarticolato, in un jazz con sfumature fusion e influenze dalla musica africana. Sanders intende la propria attività musicale come un'attività politica, che mira a sollecitare un cambiamento nel mondo: in You've got to have - lavoro su alcuni materiali di Pharoah Sanders cercando di portarne alla luce la forza dirompente ma anche la dolorosa fragilità. L'orchestra quindi dialoga coi materiali, nascondendoli, negandoli a volte, altre volte presentandoli in tutta la loro franchezza”.
DARIO PELUSO
Dopo gli studi di pianoforte sotto la guida del M° Lamberto Desideri si è dedicato alla composizione. Il suo brano Poesia cioè natura, su una poesia di P.P. Pasolini, ha vinto l'edizione 2017 del Premio Nazionale delle Arti nella Cat. A - Composizione ed è stato eseguito presso il Teatro Comunale di Bologna. Il brano è stato anche selezionato dalla Società Italiana di Musica Contemporanea nell'ambito della call for scores "Monteverdi e la musica contemporanea" ed eseguito presso lo Spazio Tadini a Milano. Nel 2016 ha partecipato alla scrittura collettiva, coordinata dal M° Francesco Antonioni, di Caligola, un'opera in un atto su libretto di A. Camus andata in scena al Teatro Moderno di Latina. È coordinatore del progetto "Indagini Metaculturali", l'edizione integrale delle opere di didattica e filosofia della cultura di Boris Porena. Ha studiato con Edgar Alandia a Perugia, con Francesco Antonioni a Latina dove è attualmente iscritto al biennio nella classe del M° Paolo Rotili, e ha frequentato il Corso di alto perfezionamento del M° Fabio Vacchi presso la Scuola di Musica di Fiesole; lavora come copyeditor freelance per clienti come Casa Ricordi, Breitkopf & Härtel Verlag, Bärenreiter Verlag, Bim Editions.
Prima esecuzione assoluta
Composizione per orchestra nata dal desiderio e dalla necessità dell’autore di confrontarsi con una forma musicale quale è quella sinfonica, profondamente radicata nella tradizione musicale occidentale e codificata nell’arco dei secoli in una precisa struttura formale. All’interno di una architettura musicale ben definita, si instaura una “narrazione sonora” che dai tratti scherzosi e canzonatori dell’inizio gradualmente cede il passo ad atmosfere più sognanti e malinconiche, come anche a inaspettati momenti di liricità. Molti degli elementi musicali con cui il brano è costruito sono attinti dalla musica balcanica, e questo è maggiormente evidente nel “secondo tema”, sul quale gradualmente si sovrappone, dapprima impercettibilmente e via via crescendo d’intensità, una melodia popolare rumena (Melc codobelc) che, nella sua essenziale e semplicissima forma, costituita dalla ripetizione di due sole note ad intervallo di tono, sembra suggerire l’idea di una purezza quasi archetipica degli elementi sonori.
ANDREI OCTAVIAN POPESCU
Comincia a suonare il violino all'età di 6 anni con il M° J. Hamza e successivamente con il proprio padre; a 11 anni viene ammesso al Conservatorio Statale di Musica ''A. Casella'' nella classe di violino del M° F. Leofreddi e di pianoforte complementare del M° G. Nenna. Sono di questo periodo le prime composizioni per piano e una serie di brevi composizioni cameristiche, eseguite queste dai bambini della Scuola d'Archi OSA nei concerti di fine anno. Si diploma in Violino nel 1998 e si laurea successivamente in Ingegneria Edile-Architettura (Università degli studi dell’Aquila) con il massimo dei voti, sviluppando come tesi il progetto architettonico di un auditorium per la musica sinfonica. Ha collaborato come violinista con diversi gruppi strumentali, tra cui gli “Archi Del Cherubino”, l’Orchestra MoviMus, “l’Orchestra da Camera Aquilana” e l’Orchestra Giovanile Abruzzese. Dal 2014 studia composizione presso il Conservatorio “A. Casella” dell’Aquila, nella classe del M° M. Della Sciucca. Attualmente è iscritto al terzo anno del Triennio Accademico. Alcune sue composizioni sono state eseguite sia in Italia che all’estero, tra queste: Giochi Stregati per quartetto d’archi (Irlanda, 2016), Lieduri Romanesti per soprano e piano (Bucarest 2017, rassegna Internazionale di Musica Contemporanea Meridian). Nel 2015 il suo brano 1 1 2 3 5 8 13… per bayan e quartetto d’archi viene selezionato nell’ambito di una categoria del PIF 2015 di Castelfidardo e qui eseguito (Derazey String Quartet of London Royal Academy, M. Di Giambattista). Nel 2016 vince il prestigioso 4th International Competition of Sacred Music Composition Papa Benedetto XVI con il brano Misericordia per mezzosoprano, violino e pianoforte, eseguito in prima esecuzione presso la Sala Accademica del Pontificio Istituto di Musica Sacra in Roma. Alcuni dei suoi lavori sono pubblicati con la casa editrice Da Vinci Edition (Osaka).